Oratorio de Navidad (Weihnachtsoratorium), BWV 248. Johann Sebastian Bach

El Oratorio de Navidad es una obra sacra de Johann Sebastian Bach compuesta para ser interpretada durante las fiestas de navidad. El oratorio, titulado originalmente en alemán Weihnachtsoratorium, está catalogado como la obra BWV 248 del compositor. Escrito para la navidad de 1734, incorpora música de composiciones anteriores, entre ellas tres cantatas seculares escritas durante 1733 y 1734, además de una cantata para iglesia, hoy perdida (BWV 248a).
Su siguiente interpretación tuvo lugar años después, el 17 de diciembre de 1857 por la Academia de Canto de Berlín bajo la dirección de Eduard Grell.
El Oratorio de Navidad de Bach es un particularmente sofisticado ejemplo de parodia musical, esto es, una reelaboración seria de otros materiales. El autor del texto es desconocido, aunque se sabe que en él intervino Picander (Christian Friedrich Henrici).
La obra pertenece a un grupo de tres oratorios compuestos hacia finales de la carrera de Bach en 1734 y 1735 para fiestas importantes; los otros dos son el Oratorio de la Ascensión (BWV 11) y el Oratorio de Pascua (BWV 249). En todos ellos interviene un tenor evangelista como narrador que reelabora composiciones anteriores. Con todo, el Oratorio de Navidad es con diferencia la obra más compleja y extensa de las tres.
La obra se divide en seis partes, cada una de ellas diseñada para su interpretación en cada uno de los principales días del periodo navideño. Habitualmente, el oratorio se presenta como un todo o, si no, dividido en dos grandes partes de similar extensión. La duración total se acerca a las tres horas.
La primera parte (para el día de Navidad) describe el nacimiento de Jesús; la segunda (para el 26 de diciembre) se centra en el anuncio del nacimiento a los pastores; la tercera (para el día 27) presenta la adoración de estos; la cuarta (para el día de año nuevo) describe la circuncisión y bautizo de Jesús; la quinta (para el primer domingo del nuevo año) el viaje de los Reyes Magos; y la sexta (para la Epifanía) describe la adoración de los magos.

La estructura de la historia está definida con respecto a los requerimientos particulares del calendario de la iglesia para la navidad de 1734/35. Bach abandonó su práctica usual al escribir cantatas para iglesia de basar el contenido en la lectura del Evangelio correspondiente a ese día, con la finalidad de lograr una estructura narrativa coherente. El que Bach viera las seis piezas como partes de un todo unificado es evidente tanto por el texto impreso sobreviviente y por la estructura de la música en sí misma. La edición no tiene sólo un título —Weihnachtsoratorium— relacionado íntimamente con las seis secciones, sino que estas secciones también están numeradas consecutivamente.

Escuchamos la versión de Sir John Eliot Gardiner dirigiendo al Coro Monteverdi y a los English Baroque Soloists con Claron McFadden, soprano, Bernarda Fink, contralto, Christoph Genz, tenor, y Dietrich Henschel, bajo. La grabación es de 1999 y está realizada en la Herdkirche de Weimar.

Francesca da Rimini, opus 32. Piotr Ilich Tchaikovsky

Francesca da Rimini, fantasía sinfónica según Dante en mi menor, opus 32, es un poema sinfónico compuesto por Piotr Ilich Tchaikovsky entre octubre y noviembre de 1876, durante su estancia en Bayreuth. Es una obra prácticamente contemporánea del Lago de los cisnes y de las Variaciones sobre un tema rococó para violoncelo. El estreno tuvo lugar en Moscú el 25 de febrero de 1877 bajo la dirección de Nikolai Rubinstein.
Francesca da Rimini forma parte de las obras de inspiración literaria de Tchaikovsky como el citado Lago de los cisnes o Romeo y Julieta, donde una mujer desdichada es  la heroína. Está inspirada por la Divina Comedia de Dante Alighieri, donde, en el Canto V del Infierno, la propia Francesca cuenta su historia. Se puede encontrar en la partitura una cierta identificación del músico con Francesca y su destino.
En 1893, la Universidad de Cambridge distinguió a Tchaikovsky con el grado honorario de Doctor en Música. Otros compositores fueron también honrados: Camille Saint-Saëns, Max Bruch y Arrigo Boito; Edvard Grieg estaba invitado también pero no pudo venir a causa de problemas de salud. En Cambridge, Tchaikovsky dirigió el estreno en Gran Bretaña de su poema sinfónico Francesca da Rimini. Más tarde escribió que la audiencia recibió la obra con tanto entusiasmo que eclipsó completamente a la música de Saint-Saëns que estaba en el mismo programa. La partitura de Francesca da Rimini esta dedicada a su antiguo alumno Serguei Taneiev y su interpretación dura unos 25 minutos.

La obra comienza con una larga introducción lenta, casi coral, que describe el paisaje desolado del Infierno y más particularmente el segundo círculo.
De repente, el viento (cuerda y viento madera) comienza a levantarse y soplar: Dante ha llegado al recinto donde están condenadas "las sombras carnales que han subordinado la razón a los placeres de los sentidos" cuyo castigo eterno es ser aspirados sin cesar por tornados demoníacos que les proyectan violentamente contra las paredes del recinto.
De repente, un furioso tornado (con escalofriantes fanfarrias del viento metal sostenidas por el resto de la orquesta) se desencadena cerca de Dante, que percibe a través de la multitud culpable y el viento desencadenado a Francesca y su amante Paolo. Les invita a acercarse para que ella cuente sus desgracias. La tempestad se calma poco a poco y Francesca narra su amor "culpable": casada con un hombre brutal, busca el consuelo cerca de su amigo querido. Pero su marido acude en el momento en que éste la abrazaba. Loco de cólera, asesina a la infiel y a su amante, que por haber hecho fracasar al matrimonio, fueron condenados a este terrible castigo. Este pasaje es descrito mediante largas melodías líricas y una delicada orquestación, interrumpidas por el golpe fatal del puñal.
La tempestad se levanta de nuevo y aspira a los dos amantes malditos con una violencia recrudecida. Dante, aplastado por la pena y por el huracán que alcanza una fuerza infernal inusitada, se desvanece "E caddi come corpo morto cade", mientras que Francesca y Paolo son de nuevo arrastrados hacia su suplicio eterno en una rabiosa coda de una ferocidad terrible.

Escuchamos la versión de Charles Dutoit dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Montreal en una grabación de 1990.

Sinfonía nº 1 en mi menor, op. 39. Jean Sibelius

La Sinfonía nº 1 en mi menor, op. 39 de Jean Sibelius (1865-1957) fue compuesta en 1898, cuando el compositor tenía 33 años. Fue estrenada el 26 de abril de 1899 por la Orquesta Filarmónica de Helsinki, dirigida por el mismo compositor, en una versión original que se ha perdido. Después del estreno, Sibelius hizo algunas revisiones, resultando la versión definitiva que puede escucharse hoy en día. La versión revisada fue concluida entre la primavera y el verano de 1900 y fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Helsinki dirigida por Robert Kajanus el 1 de julio de 1900.
A diferencia de sus últimas sinfonías o del poema sinfónico Finlandia, obras por las cuales es más conocido Sibelius, la primera sinfonía no utiliza tan intensamente la sección de metal.En esta obra, Sibelius mimetiza el estilo lírico de Tchaikovsky o Brahms. Aunque el autor negó posteriormente estas influencias, el lirismo y el uso limitado de los metales evidencian la emulación.
La sinfonía se caracteriza por el uso de solos de los instrumentos de cuerda y de madera; el primer movimiento se abre con un largo y a veces confuso solo de clarinete sobre un redoble de timbales. El tema del solo vuelve al principio del cuarto movimiento con un fortísimo de las cuerdas con acompañamiento del viento. Los movimientos siguientes incluyen solos de violín, viola y violoncelo. Además, la sinfonía se caracteriza por incluir secciones en tonalidades mayores que contrastan con la tonalidad menor general de la obra.
La duración oscila entre 35 y 40 minutos. Muchos directores prefieren reducir la velocidad sugerida por las indicaciones de metrónomo del mismo Sibelius, en particular en la sección rápida (allegro energico) del primer movimiento. A causa de esto, la mayor parte de las versiones tiene una duración de entre 38 y 40 minutos (de hecho, los editores de la partitura sugieren la duración de 40 minutos). Cuando se interpreta en un tempo más lento, la obra se percibe como grandiosa i romántica, mientras que tiempos más rápidos le dan un carácter más juvenil.

Se estructura en los cuatro movimientos tradicionales:

1. Andante, ma non troppo - Allegro energico
2. Andante (ma non troppo lento)
3. Scherzo: Allegro
4. Finale: Andante - Allegro molto - Andante assai - Allegro molto come prima - Andante (ma non troppo)

Escuchamos la versión de Leonard Bernstein dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Viena en una grabación de 1990.

Amériques. Edgar Varèse

 Amériques es una obra del compositor francés Edgar Varèse (1883-1965), escrita entre 1918 y 1921 y revisada en 1927. Está escrita para una gran orquesta de tipo romántico con percusión adicional (hasta once percusionistas) incluyendo también sirenas. Ésta es la primera obra que Varèse compuso después de trasladarse a los Estados Unidos y aunque no fue su primera obra, destruyó muchas de sus piezas anteriores, haciendo de Amériques su opus 1 (el autor nunca utilizó esta designación).
Formalmente, la obra está escrita en un movimiento que dura unos 23 minutos, con participación completa de la orquesta a lo largo de toda la composición. Aunque se abre tranquilamente con una meditación a la manera de Debussy, rápidamente crece en poder dinámico y es puntuada por masivos crescendos similares a los de Stravinsky en La consagración de la primavera, pero a mucha mayor escala. La obra está marcada por sus acordes ferozmente disonantes y polifonías rítmicamente complejas para percusión y viento. Se desarrolla en una contínua evolución con cortos motivos recurrentes, que son yuxtapuestos sin desarrollo.
Estructuralmente, la obra está montada colocando un determinado número de "bloques" musicales autónomos el uno contra el otro a la manera de Stravinsky. Los bloques están marcados primariamente por la textura y el timbre, siendo la melodía y el ritmo mucho más moldeables (como sería práctica común en Varèse a todo lo largo de su obra). Un determinado número de estos bloques están construidos directa o indirectamente con citas de otras obras. Algunas de las obras citadas son: el segundo movimiento de las Cinco piezas para orquesta, op. 16 (1909) de Arnold Schoenberg, el primer movimiento de la Tercera Sinfonía de Mahler, referencias genéricas a la música de las Big Band de los años 20 y La consagración de la primavera de Stravinsky.
Las opiniones sobre la obra se han centrado en su poder elemental y su expresión vívida de Nueva York (repleta de sirenas de coches de policía). La sirena tenía para Varèse una importancia estructural, representando un tono contínuo más allá del temperamento igual de los doce tonos. Varèse entendía el título de la obra como un símbolo de "descubrimientos, nuevos mundos sobre la tierra, en el cielo o en las mentes de los hombres."
La versión original de Amèriques fue estrenada el 9 de abril de 1926 por la Orquesta de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski. La versión revisada fue estrenada el 30 de mayo de 1929 por la Orquesta de Conciertos Poulet dirigida por Gaston Poulet en la Maison Gaveau en París.

Escuchamos la versión original de la obra (1921) en la versión de la Royal Concertgebouw Orchestra dirigida por Riccardo Chailly en una grabación de 1998.