Guía de orquesta para jóvenes. Benjamin Britten

Guía de orquesta para jóvenes (en inglés, The Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34, es una composición musical de Benjamin Britten de 1946 con un subtítulo "Variations and Fugue on a Theme of Purcell" (Variaciones y fuga sobre un tema de Purcell). En origen fue un encargo para una película documental educativa titulada The Instruments of the Orchestra (Los instrumentos de la orquesta) dirigida por Muir Mathieson y que presentaba a la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Malcolm Sargent. La obra es una de las piezas más conocidas del compositor, y es una de las tres partituras usadas habitualmente en la educación musical de los niños, junto con El carnaval de los animales de Saint-Saëns y Pedro y el lobo de Prokofiev.
La obra esta basada en el Rondó que forma parte de la música incidental compuesta por Henry Purcell para la obra Abdelazer de Aphra Behn. Está estructurada, de acuerdo con el plan de la película documental original, como una manera de mostrar los tonos, colores y capacidades de las varias secciones de la orquesta.
La narración del documental fue escrita por el colaborador de Britten en Peter Grimes, Montagu Slater, y a veces es recitada por el propio director de la orquesta o un narrador durante la interpretación de la obra. El compositor también hizo una versión sin narración. Ésta es la que se interpreta y graba con más frecuencia.

Escuchamos la versión interpretada por la Orquesta Sinfónica de la BBC dirigida por Edward Gardner con la narración de Jenny Agutter, en la última noche de los Proms de 2011.

La obra completa podéis verla en: http://www.youtube.com/watch?v=yfFFqxnQBuI

Scheherezade. Nikolái Rimski-Kórsakov

Scheherezade (Шехерезада en cirílico, Shejerezad en transliteración), opus 35, es una suite sinfónica del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, compuesta en 1888. Basada en Las mil y una noches, esta obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa, y particularmente de Rimski-Kórsakov: una deslumbrante y colorida orquestación y un interés por el Oriente, muy destacado en la historia de la Rusia Imperial.
La suite está dividida en cuatro movimientos. El compositor se persuadió de darle títulos programáticos, pero posteriormente los borró para reemplazarlos por meras indicaciones de tempo y desanimar la lectura de una historia en el desarrollo de la música. En la actualidad se suelen mencionar los títulos originales, que son:

• I. «El mar y el barco de Simbad»: Largo e maestoso — Allegro non troppo en Mi mayor
• II. «La historia del príncipe Kalendar»: Lento — Andantino — Allegro molto — Con moto en Si menor
• III. El joven príncipe y la joven princesa: Andantino quasi allegretto — Pochissimo più mosso — Come prima — Pochissimo più animato en Sol mayor
• IV. «Festival en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un acantilado coronado por un Jinete de Bronce»: Allegro molto — Vivo — Allegro non troppo maestoso en Mi mayor.

Scheherezade es una nueva forma de composición, hasta cierto punto a medio camino entre la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz (1830) y el poema sinfónico de Franz Liszt de 1854. Probablemente, debido a la trama en la que está basada, está más próxima al poema sinfónico, en el sentido de que es menos preciso que el de la Sinfonía fantástica. El compositor siempre se pronunció para evitar que se hiciera una lectura habitual programática, negando por ejemplo que los personajes evolucionen claramente y actúen, todo lo contrario de lo que escribió Antonio Vivaldi con los poemas adjuntos a Las cuatro estaciones, o de lo que hará Prokófiev en Pedro y el lobo, con los instrumentos que representan personajes con sus temas propios recurrentes.

En 1910, con la música de Scheherezade, Michel Fokine creó y coreografió un ballet homónimo para la temporada de los Ballets Rusos en París, con la escenografía y vestuarios de Léon Bakst. Destacaron en los papeles principales Ida Rubinstein y Vátslav Nizhinski. El ballet impactó por su cargada sensualidad y orientalismo.

Escuchamos la suite en la versión de la  Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Valeri Gergiev en el Festival de Salzburgo de 2005.

Pasión según san Mateo, BWV 244. Johann Sebastian Bach

William Holman Hunt: The Light of the World

La Pasión según san Mateo (en alemán Matthäus-Passion; en latín Passio Domini Nostri J. C. Secundum Evangelistam Matthaeum) BWV 244 es un oratorio de Johann Sebastian Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de san Mateo. Con una duración de más de dos horas y media (en algunas interpretaciones incluso más de tres horas), es la obra más extensa del compositor. Es una obra central de la historia de la música (Hubert Parry la ha definido como el más rico y noble ejemplo de la historia de la música sacra).
La Pasión según san Mateo consta de dos grandes partes conformadas por 68 números. El texto del evangelio de San Mateo, capítulos 26 y 27, es cantado literalmente por un evangelista, y las personas de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) por los demás solistas. Alrededor del texto bíblico se agrupan coros, corales, recitativos y arias con la intención de interpretar el texto.
No se sabe con certeza si la Pasión según san Mateo fue compuesta en 1727 o 1729. Aunque se relaciona directamente con la música fúnebre para el príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen de 1729, se desconoce si la cantata fúnebre sirvió como modelo para la pasión o si la pasión fue el modelo de la cantata (o si existen otros orígenes anteriores). De cualquier forma, la Pasión según san Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura). Ahora bien, en 1975, el musicólogo Joshua Rifkin demostró que el estreno se produjo en 1727.
A pesar de que la obra no fue muy estimada en su tiempo por su estilo "operístico", rechazado en su mayoría por los representantes del Pietismo dentro de la burguesía de Leipzig, Bach revisó algunas de las partes de la obra varias veces, la última de ellas en 1736, en donde incluyó un grupo de continuo con órgano para cada uno de los dos coros.
Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días. Tras el redescubrimiento de la obra en 1829 por parte de Mendelssohn, Adolf Bernhard Marx, íntimo amigo por aquella época del compositor, persuadió al editor musical Adolf Martin Schlesinger de emprender la publicación de esa obra, haciendo a la obra maestra de Bach accesible para los académicos por primera vez.

Escuchamos el aria Erbarme Dich en la voz de Christa Ludwig con la Orquesta Philharmonia dirigida por Otto Klemperer en una grabación de 1962.

El coro final de la obra, Wir setzen uns mit Tränen nieder, lo escuchamos en la versión del Coro Bach de Munich y la Bach-Orchester dirigidos por Karl Richter en 1971.

Carnaval, opus 9. Robert Schumann

Carnaval, Op. 9, es una composición de Robert Schumann para piano. Escrita en 1834-1835 y dedicada a la violinista Karol Lipiński, está subtitulada como Scènes mignonnes sur quatre notes. Consiste en una colección de 22 piezas cortas que representan a los personajes enmascarados del carnaval, antes de la cuaresma. Schumann le da una gran expresión musical, propia de su estilo.
El subtítulo de la obra es Scènes mignonnes sur quatre notes que en francés quiere decir Escenas bonitas con cuatro notas. Las cuatro notas constituían para Schumann un mensaje codificado y predijo que «descifrar mi obra enmascarada será un juego real para ti». Las 22 piezas están conectadas entre sí a través de un motivo recurrente. En cada sección del Carnaval aparecen varias de esas notas formando los siguientes criptogramas musicales:

• la-mi bemol-do-si, que en notación alemana es A-S-C-H;
• la bemol-do-si, que en notación alemana es As-C-H;
• mi bemol-do-si-la, que en notación alemana es S-C-H-A.

La primera combinación «Asch» en alemán hace referencia a la ciudad de la República Checa (que actualmente se escribe Aš) en el que vivía Ernestine von Fricken, uno de sus amores. «Asch» también quiere decir "cenizas" en alemán, queriendo hacer una alusión al miércoles de ceniza (Aschermittwoch), que es el primer día de la cuaresma. Asimismo, aparece codificada una parte del nombre del propio compositor, Robert Alexander Schumann. Las letras S-C-H-A representan el jeroglífico del nombre del compositor, en su orden correcto.
En la obra Carnaval Schumann va musicalmente mas allá que en Papillons, Op. 2. Cada pieza tiene un título y toda la pieza está basada en la representación y la elaboración imaginaria de un baile de máscaras. Carnaval sigue siendo famoso por sus resplandecientes pasajes de acordes, así como por su uso del desplazamiento rítmico; y durante mucho tiempo ha sido una pieza esencial del repertorio pianístico.

En 1910, Carnaval fue convertido en ballet  para una producción los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, con orquestaciones de Alexander Glazunov, Nikolai Rimsky-Korsakov, Anatoly Lyadov y Alexander Tcherepnin.

Escuchamos la obra en la versión de Evgeny Kissin.