Pasión según San Juan, BWV 245. Johann Sebastian Bach

La Pasión según San Juan, BWV 245 (título original en latín: Passio secundum Johannem; en alemán: Johannespassion; en inglés: St. John Passion) es una pasión oratórica escrita para voces solistas, coro y orquesta compuesta por Johann Sebastian Bach.
Fue escrita en las fechas previas al Viernes Santo de 1724, y está basada en los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan. Las palabras de la apertura, las arias, los recitativos y los corales se tomaron de diferentes fuentes, entre otras, de la Pasión según San Mateo y de la traducción que Martín Lutero había hecho de la Biblia. La Pasión según San Juan es quizás menos familiar que la Pasión según San Mateo; ésta de mayor duración y que permitió que el público redescubriera a J. S. Bach gracias a la interpretación que Felix Mendelssohn hizo de esta obra en 1829. Comparando ambas obras, la Pasión según San Juan ha sido descrita como "más extravagante, con una inmediatez expresiva a veces desenfrenada y menos terminada" (Michael Steinberg).
Originalmente la Johannes Passion iba a ser interpretada por primera vez en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, pero finalmente se hizo en la iglesia de San Nicolás en 1724. Fue cambiada en numerosas ocasiones hasta la versión definitiva de 1740. Las partes que Bach eliminó se agregaron posteriormente como apéndices.
A diferencia de la Pasión según San Mateo, la obra sufrió diferentes modificaciones, siendo la más conocida la de 1724.
En 1725 Bach cambió la apertura original Herr, unser Herrscher, dessen Ruhm por O Mensch bewein dein Sünde groß, que posteriormente pasó a ser final de capítulo en la Pasión según San Mateo. El final de la primera parte se cambió por Christe, Du Lamm Gottes de la BWV 23, añadiendo además tres arias.
En 1730 se vuelve a modificar la obra suprimiendo los cambios que se habían introducido en 1725, y agregando dos recitativos del Evangelio de Mateo.
En 1749 Bach cambió algunos diálogos regresando a la versión de 1740, quedando ésta como definitiva.

Escuchamos la versión interpretada por Peter Schreier, Ernst Schramm, Siegmund Nimsgern, Helen Donath, Julia Hamari, Horst Laubenthal, la Orquesta y Coro Bach de Munich, todos dirigidos por Karl Richter. La grabación es de septiembre de 1970.

Pulcinella. Igor Stravinsky

Tiépolo: Pulcinella innamorato

Pulcinella es un ballet de Igor Stravinsky basado en una obra de teatro del siglo XVIII. Pulcinella o Polichinela es un personaje originario de la commedia dell'arte. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920 bajo la batuta de Ernest Ansermet. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev.
Diaghilev quería un ballet basado en un libreto y música de la commedia dell'arte de principios del siglo XVIII que, en el tiempo de Diaghilev se creía que había sido compuesta por Giovanni Battista Pergolesi. Más tarde se demostró que gran parte de la música pudo haber sido escrita por Domenico Gallo, Carlo Ignazio Monza, Unico Wilhelm van Wassenaer y Alessandro Parisotti. Fue Ernest Ansermet, el director, quien sugirió la propuesta a Stravinsky en 1919, y aunque al compositor no le seducía Pergolesi, una vez que estudió las partituras que Diaghilev había encontrado en las bibliotecas de Nápoles y Londres, cambió de opinión. No obstante, Stravinsky reescribió esta música antigua de una forma más moderna tomando prestados temas y texturas, concretas pero intercalando ritmos, cadencias y armonías modernas.
Pulcinella es a menudo considerada como la primera pieza del período neoclásico de Stravinsky. La partitura del ballet fue revisada en 1965.
El ballet se desarrolla en un solo acto y cuenta con los siguientes personajes: Pulcinella, su novia Pimpinella, su amigo Furbo, los enamorados Florindo y Prudenza y sus correspondientes siervos Coviello y Rosetta.
La historia comienza con Florindo y Cloviello cantando serenatas a Prudenza y Rosetta. Las dos mujeres no se dejan impresionar y responden a los pretendientes con agua. El padre de Prudenza, un doctor, aparece entonces y sale en su persecución.
Un nuevo episodio comienza con Rosetta bailando para Pulcinella y ambos al final se besan. Pimpinella, que les estaba espiando, interrumpe la escena. Florindo y Cloviello llegan en ese momento y, celosos a su vez de Pulcinella, le dan una paliza durante la cual Pulcinella es apuñalado. Pero todo esto es realmente una farsa para conseguir que Pimpinella perdone a Pulcinella. Así que, entonces, aparece Furbo disfrazado de mago y resucita a Pulcinella delante de todos. Pimpinella perdona a Pulcinella, y Prudenza y Rosetta sucumben por fin al cortejo de Florindo y Cloviello. El ballet concluye con las bodas de las tres parejas.
Esta obra está escrita para una orquesta de cámara moderna con soprano, tenor y barítono solistas. La suite Pulcinella deriva del ballet y no tiene partes cantadas. La suite fue revisada por el compositor en 1947, aunque algunas referencias dicen que fue en 1949. Esta suite está formada por ocho movimientos.

Escuchamos la versión de la Orquesta Sinfónica de RTVE dirigida por David Shallon, con Inma Egido (soprano), Gerard Garino (tenor) y David Thomas (bajo). La grabación és de 1997.

Podéis ver también el ballet coreografiado por Nils Christe.

Sinfonía nº 6 en mi menor. Ralph Vaughan Williams

La Sinfonía nº 6 en mi menor de Ralph Vaughan Williams (1872-1958) fue compuesta entre 1946 y 1947, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Fue dedicada a Michael Mullinar y fue estrenada por Sir Adrian Boult y la Orquesta Sinfónica de la BBC el 21 de abril de 1948.  Al cabo de un año ya había sido interpretada unas cien veces, incluyendo el estreno americano por la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Serge Koussevitzky el 7 de agosto de 1948. Leopold Stokowski la estrenó en Nueva York en enero de 1949 con la Orquesta Filarmónica de Nueva York e inmediatamente la grabó, declarando que "esta música va a situarse entre las más grandes creaciones de los maestros." Sin embargo, Vaughan Williams, muy nervioso por la sinfonía, había amenazado varias veces con destruir su manuscrito durante su composición. Al mismo tiempo, su nota para el programa del estreno adoptó un tono poco serio y desafiante.

Quizás el compositor nunca se propuso un programa para esta sinfonía, pero era inevitable que la audiencia de la postguerra asociase su carácter perturbador y a menudo violento con la detonación de las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. En respuesta a estas cuestiones dijo que "a la gente nunca se le ocurre que alguien quiera escribir sólo una obra musical". En conexión con el último movimiento, el compositor finalmente sugirió que una cita del acto IV de La Tempestad de Shakespeare se acerca al significado de su música: "Estamos hechos de la materia de los sueños y nuestra pequeña vida está rodeada por el sueño".

La sinfonía es notable por su lenguaje armónico inusualmente discordante, que recuerda al de la Sinfonía nº 4 en fa menor escrita una década antes si no su técnica, y por su inclusión de un saxófono tenor entre los instrumentos de viento madera. En muchos aspectos esta sinfonía marca el comienzo de los experimentos de Vaughan Williams con la orquestación que caracterizan la última parte de su obra.

La sinfonía presenta cuatro movimientos relacionados (un movimiento conduce directamente al próximo sin pausa entre ellos) e incluye un número de ideas que vuelven de varias maneras a lo largo de la obra, por ejemplo el uso de cuerdas simultáneas separadas medio tono o la figura rítmica corto-corto-largo.
Los movimientos son: Allegro; Moderato; Scherzo: Allegro vivace; Epilogue: Moderato

Escuchamos la versión de la Orquesta Sinfónica de la BBC Escocesa dirigida por Andrew Manze grabada en los conciertos Promenade de 2012.

Werther. Jules Massenet

Werther es una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, basado en la novela epistolar Los sufrimientos del joven Werther (Die Leiden des jungen Werthers) de Goethe.
Es uno de los papeles capitales para la tesitura de tenor y uno de los más difíciles, se lo llama "el Tristán francés" como comparación a las dificultades vocales presentadas por Tristán e Isolda de Richard Wagner.
Es un proyecto largo tiempo meditado por Massenet, los primeros esbozos se remontan al año 1880. La esencia de la composición se desarrolló entre 1885 y 1887. El secreto del éxito logrado por Massenet en el dominio de la ópera es más razonable atribuirlo a la facilidad y frescura de su vena melódica que por razones estrictamente teatrales. Los libretistas, Édouard Blau y Paul Milliet adaptaron la novela epistolar de Goethe, desarrollando particularmente el papel de Charlotte para hacer un personaje tan importante como el rol titular. El sentimiento puramente francés, típicamente parisino de Massenet, se encuentra íntegro en toda su producción, incluso en este germánico Werther, derivada de la famosa novela de Goethe. Pero hubo un momento en que no se creyó así. La obra fue rechazada por el teatro de la Opéra Comique de París, cuyo director, Leoncavallo, encontró "este triste tema sin interés".
Tuvo que estrenarse traducida al alemán en el Teatro Imperial Hofoper en Viena el 16 de febrero de 1892, en una versión en alemán traducida por Max Kalbeck. Tuvo un gran éxito. Le siguió el estreno en francés en Ginebra el 27 de diciembre de 1892, y la primera representación en Francia fue en la Opéra-Comique de París el 16 de enero de 1893. En Francia, sin embargo, el éxito de crítica no se vio acompañado de un éxito de público.
La ópera encontró a su público en Ginebra, Bruselas, Chicago, Nueva York, San Petersburgo, Londres y Milán antes de imponerse por fin en París a partir de 1903. Werther es considerada hoy como la obra maestra de Massenet, su ópera más personal.
En Estados Unidos se estrenó en Chicago por la compañía del Metropolitan Opera el 29 de marzo de 1894 por Jean de Reszke, y luego en el principal teatro de la compañía en la ciudad de Nueva York tres semanas después. El estreno británico se dio en el Covent Garden, Londres, el 11 de junio de 1894. En España se estrenó el 29 de abril de 1899, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. En Argentina llegó al Teatro Colón (Buenos Aires) en 1912.
Aunque escrita para tenor, en 1902, Massenet compuso una versión especialmente adaptada para el célebre barítono Mattia Battistini, en San Petersburgo.
Werther se representa con regularidad y ha sido grabado muchas veces.
Todo el Werther musical es una confesión íntima de sentimientos y jusifica que el propio Massenet dijese que «en la composición de la partitura había puesto su alma y su conciencia de artista». La obra transcurre en un clima contenido seguido de expresiones, de monólogos y diálogos atrayentes, sobre todo por su delicada línea melódica y su fino y elegante revestimiento orquestal.

Escuchamos el fragmento más célebre de la obra, "Pourquoi me réveiller", en la versión del tenor Jonas Kaufmann y la Orquesta de la Ópera de París dirigida por Michel Plasson. La grabación es de 2010.

Escuchamos también la versión de un gran especialista en este papel: el tenor canario Alfredo Kraus. La versión se grabó en directo en Lisboa en 1990, con la soprano Ileana Cotrubas como Charlotte y la Orquesta del Teatro Nacional de San Carlos dirigida por Gian Paolo Sanzogno.