Sinfonía nº 6 en mi menor. Ralph Vaughan Williams

La Sinfonía nº 6 en mi menor de Ralph Vaughan Williams (1872-1958) fue compuesta entre 1946 y 1947, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Fue dedicada a Michael Mullinar y fue estrenada por Sir Adrian Boult y la Orquesta Sinfónica de la BBC el 21 de abril de 1948.  Al cabo de un año ya había sido interpretada unas cien veces, incluyendo el estreno americano por la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Serge Koussevitzky el 7 de agosto de 1948. Leopold Stokowski la estrenó en Nueva York en enero de 1949 con la Orquesta Filarmónica de Nueva York e inmediatamente la grabó, declarando que "esta música va a situarse entre las más grandes creaciones de los maestros." Sin embargo, Vaughan Williams, muy nervioso por la sinfonía, había amenazado varias veces con destruir su manuscrito durante su composición. Al mismo tiempo, su nota para el programa del estreno adoptó un tono poco serio y desafiante.

Quizás el compositor nunca se propuso un programa para esta sinfonía, pero era inevitable que la audiencia de la postguerra asociase su carácter perturbador y a menudo violento con la detonación de las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. En respuesta a estas cuestiones dijo que "a la gente nunca se le ocurre que alguien quiera escribir sólo una obra musical". En conexión con el último movimiento, el compositor finalmente sugirió que una cita del acto IV de La Tempestad de Shakespeare se acerca al significado de su música: "Estamos hechos de la materia de los sueños y nuestra pequeña vida está rodeada por el sueño".

La sinfonía es notable por su lenguaje armónico inusualmente discordante, que recuerda al de la Sinfonía nº 4 en fa menor escrita una década antes si no su técnica, y por su inclusión de un saxófono tenor entre los instrumentos de viento madera. En muchos aspectos esta sinfonía marca el comienzo de los experimentos de Vaughan Williams con la orquestación que caracterizan la última parte de su obra.

La sinfonía presenta cuatro movimientos relacionados (un movimiento conduce directamente al próximo sin pausa entre ellos) e incluye un número de ideas que vuelven de varias maneras a lo largo de la obra, por ejemplo el uso de cuerdas simultáneas separadas medio tono o la figura rítmica corto-corto-largo.
Los movimientos son: Allegro; Moderato; Scherzo: Allegro vivace; Epilogue: Moderato

Escuchamos la versión de la Orquesta Sinfónica de la BBC Escocesa dirigida por Andrew Manze grabada en los conciertos Promenade de 2012.

Werther. Jules Massenet

Werther es una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, basado en la novela epistolar Los sufrimientos del joven Werther (Die Leiden des jungen Werthers) de Goethe.
Es uno de los papeles capitales para la tesitura de tenor y uno de los más difíciles, se lo llama "el Tristán francés" como comparación a las dificultades vocales presentadas por Tristán e Isolda de Richard Wagner.
Es un proyecto largo tiempo meditado por Massenet, los primeros esbozos se remontan al año 1880. La esencia de la composición se desarrolló entre 1885 y 1887. El secreto del éxito logrado por Massenet en el dominio de la ópera es más razonable atribuirlo a la facilidad y frescura de su vena melódica que por razones estrictamente teatrales. Los libretistas, Édouard Blau y Paul Milliet adaptaron la novela epistolar de Goethe, desarrollando particularmente el papel de Charlotte para hacer un personaje tan importante como el rol titular. El sentimiento puramente francés, típicamente parisino de Massenet, se encuentra íntegro en toda su producción, incluso en este germánico Werther, derivada de la famosa novela de Goethe. Pero hubo un momento en que no se creyó así. La obra fue rechazada por el teatro de la Opéra Comique de París, cuyo director, Leoncavallo, encontró "este triste tema sin interés".
Tuvo que estrenarse traducida al alemán en el Teatro Imperial Hofoper en Viena el 16 de febrero de 1892, en una versión en alemán traducida por Max Kalbeck. Tuvo un gran éxito. Le siguió el estreno en francés en Ginebra el 27 de diciembre de 1892, y la primera representación en Francia fue en la Opéra-Comique de París el 16 de enero de 1893. En Francia, sin embargo, el éxito de crítica no se vio acompañado de un éxito de público.
La ópera encontró a su público en Ginebra, Bruselas, Chicago, Nueva York, San Petersburgo, Londres y Milán antes de imponerse por fin en París a partir de 1903. Werther es considerada hoy como la obra maestra de Massenet, su ópera más personal.
En Estados Unidos se estrenó en Chicago por la compañía del Metropolitan Opera el 29 de marzo de 1894 por Jean de Reszke, y luego en el principal teatro de la compañía en la ciudad de Nueva York tres semanas después. El estreno británico se dio en el Covent Garden, Londres, el 11 de junio de 1894. En España se estrenó el 29 de abril de 1899, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. En Argentina llegó al Teatro Colón (Buenos Aires) en 1912.
Aunque escrita para tenor, en 1902, Massenet compuso una versión especialmente adaptada para el célebre barítono Mattia Battistini, en San Petersburgo.
Werther se representa con regularidad y ha sido grabado muchas veces.
Todo el Werther musical es una confesión íntima de sentimientos y jusifica que el propio Massenet dijese que «en la composición de la partitura había puesto su alma y su conciencia de artista». La obra transcurre en un clima contenido seguido de expresiones, de monólogos y diálogos atrayentes, sobre todo por su delicada línea melódica y su fino y elegante revestimiento orquestal.

Escuchamos el fragmento más célebre de la obra, "Pourquoi me réveiller", en la versión del tenor Jonas Kaufmann y la Orquesta de la Ópera de París dirigida por Michel Plasson. La grabación es de 2010.

Escuchamos también la versión de un gran especialista en este papel: el tenor canario Alfredo Kraus. La versión se grabó en directo en Lisboa en 1990, con la soprano Ileana Cotrubas como Charlotte y la Orquesta del Teatro Nacional de San Carlos dirigida por Gian Paolo Sanzogno.

Ave verum corpus, K. 618. Wolfgang Amadeus Mozart

Ave verum corpus es un pequeño motete musical compuesto por Wolfgang Amadeus Mozart sobre el breve himno eucarístico homónimo que data del siglo XIV y se atribuye al papa Inocencio VI. Tiene el número KV 618 según la numeración del Catálogo Köchel de la obra de Mozart.
En abril de 1791, Leopold Hofmann, quien fue maestro de capilla en la Catedral de San Esteban de Viena, cayó gravemente enfermo. Mozart, que nunca había sido un ávido compositor de música sacra, vio una oportunidad de mejorar sus ingresos. Con este fin, dirigió de nuevo su atención a este tipo de música, que culminó finalmente con su Réquiem. (En este caso, Hofmann sobrevivió a Mozart, y murió en 1793.)
El motete Ave verum corpus fue compuesto para la festividad del Corpus Cristi y terminó su composición en Salzburgo el 18 de junio de 1791 (el año de su muerte). Fue dedicado a Anton Stoll, director del coro de la parroquia de Baden, una estación termal donde Constanze, la esposa de Mozart, pasaba largas temporadas reponiéndose de su penoso estado de salud.
Esta obra está compuesta para coro, cuerdas y órgano. En el manuscrito de Mozart sólo existe una pequeña nota a la dirección indicando sotto voce al comienzo.
Este motete es muy simple, quizá por la prohibición de componer música que no fuese para la Corte Imperial o quizá pensando en las limitaciones del coro de Stoll. De cualquier modo su valor radica en su simplicidad y belleza.
La obra se reduce a cuarenta y seis compases de escritura orquestal para la introducción, desarrollo y fin, estando interna toda la parte coral. Esto también responde a la corriente de estilo que imperó en Viena por la época que promulgaba la simplicidad en formas de las obras religiosas.
Por otro lado, esta obra fue compuesta mientras Mozart terminaba de componer su ópera La flauta mágica y mientras Constanze esperaba su sexto hijo y reposaba en el balneario de Baden. Sólo faltaban unos escasos seis meses para la muerte de Mozart.
Como curiosidad cabe comentar que existe una modulación inusual desde la tonalidad pasajera de La mayor a Fa mayor mientras se canta el texto "cuius latus perforatum unda fluxit et sanguine" ("de cuyo lado perforado, fluyó agua y sangre"); esta modulación es muy simple: pasando de La al acorde de Do con séptima mediante cromatismo en las voces de sopranos y tenores. Do es el tercer grado (mediante) de La y a su vez quinto (dominante) del sexto grado, Fa, es decir, el mencionado acorde es dominante secundaria de Fa, tonalidad en la que dicha séptima de dominante termina por resolver, aunque la breve duración en la región de Fa podría considerarse más bien un pasaje modulante que una modulación en toda regla.
Esta sencillez modulatoria fue descrita por Artur Schnabel, quien dijo de la misma "demasiado simple para los niños pero demasiado difícil para los adultos". También hay otra curiosidad, resulta que esta oración litúrgica contiene un texto final que, aunque es más moderno que el resto de la oración, dice: "O Jesu dulcis, o Jesu pie, o Jesu, Fili Mariae" que Mozart no musicalizó por causas desconocidas.

El texto completo es:

Salve, Verdadero Cuerpo nacido

de la Virgen María,

verdaderamente atormentado, sacrificado

en la cruz por la humanidad,

de cuyo costado perforado

fluyó agua y sangre;

Sé para nosotros un anticipo

en el trance de la muerte.

¡Oh, Jesús dulce, oh, Jesús piadoso, oh, Jesús, hijo de María!

Vamos a escuchar la versión del Coro y la Orquesta de la Radiodifusión Bávara dirigidos por Leonard Bernstein en un concierto celebrado en abril de 1990 en la abadía de Waldsassen.

A Ceremony of Carols, opus 28. Benjamin Britten

Después de tres años de mucho éxito en América, Benjamin Britten se embarcó el 16 de marzo de 1942 en un carguero sueco, el Axel Johnson, para volver a Inglaterra. Fue un viaje largo y aburrido que duró casi un mes. La actividad de los submarino alemanes estaba en su apogeo, así que el viaje probablemente fue también aterrador. En esa época Britten había empezado el Himno a Santa Cecilia y una obra para Benny Goodman. Pretendía terminar las obras a bordo pero los funcionarios de aduanas confiscaron los manuscritos con el dudoso pretexto de que podían ser un código secreto (Britten consiguió volver a empezar y terminar el Himno pero la obra para Goodman se perdió para siempre). Durante el viaje hicieron escala en Halifax, Nueva Escocia, donde Britten encontró un libro de poemas medievales (The English Galaxy of Shorter Poems, editado por Gerald Bullett) y eligió algunos de éstos para la "Ceremony of Carols". Es una composición poco habitual para coro de niños y arpa. Britten pretendía escribir un concierto para arpa y había estudiado bien el instrumento.

La obra empieza y termina con el coro en procesión utilizando el canto llano. Britten pudo haber tomado esta idea del Himno a Jesús de Holst, escrito unos 20 años antes, donde, después de un corto preludio orquestal, los coros de niños y adultos empiezan alternándose el Vexilla Regis prodeunt y el Pange lingua gloriosi. Britten usará la idea de la procesión en Saint Nicholas, Noyes Fludde y Curlew River. La obra, pues, tiene una procesión al comienzo y al final cantando Hodie Christus natus est. La procesión no lleva acompañamiento.

La primera canción es 'Wokum Yole' (Welcome be thou, heavenly king born in one morning - for whom we sing). El coro canta una estridente bienvenida acompañado por las cuerdas punteadas del arpa. A ésta sigue 'There is no rose of such virtu as is the rose that bare Jesu' y luego 'There be one God in persons three' y 'Angels sungen to shepherds to'.

Después de la fría belleza de 'There is no rose', oímos a un niño soprano solista en  'That yonge child when it gan weep - with song she lulled him asleep'. Es una amable canción de cuna en la que el solista nos conduce hasta 'Balulalow'; la canción de amor de María hacia el niño Jesús, 'I shall rock thee to my hert, and never mair from there thee depart.' El tiempo se vuelve rápido; allegro para 'As dew in Aprille' y presto para 'This little babe', las dos para coro de niños. 'As dew in Aprille' compara al niño Jesús y María con el rocío sobre las flores en primavera. 'This little babe' celebra la llegada de Cristo. Esta canción se desarrolla con más y más fuerza terminando la primera parte de la obra con 'If thou wilt foil thy foes with joy, then flit not from this heavenly boy'.

Sigue un interludio para solo de arpa, el cual nos lleva a la segunda parte que sufre un cambio de atmófera: preocupación más que celebración con 'Behold a silly tender babe, in freezing winter night, in homely manger trembling lies, alas a piteous sight', que los niños cantan lastimeramente.

La atmósfera se vuelve cálida otra vez con  'Spring Carol' 'Pleasure it is to hear iwis the birdes sing- deer in the dale- the sheep in the vale - the corn springing'. Ya no estamos alicaídos sino alegres y preparados para agradecer a Dios en la canción final 'Deo gracias' , que cuenta la caída de Adán - 'all for an apple - but if he had not taken the apple there would have been no need for Our Lady to be the heavenly Queen - so blessed was the time the apple was taken and we thank God for it'. Los niños gritan un excitado 'Deo Gratias' sobre un glissando rápido del arpa y luego se van tranquilamente cantando el 'Hodie Christus'.

La obra se estrenó el 4 de diciembre de 1943 en el Wigmore Hall de Londres interpretada por el Morriston’s Boys’ Choir, con Maria Korchinska al arpa, dirigidos por el autor.

Escuchamos y vemos la versión de los niños del Christ Church Cathedral Choir de Oxford con Frances Kelly al arpa y dirección de Francis Grier, en una grabación de 1989.