Sinfonía en la mayor, J-C 65. Giovanni Battista Sammartini

Giovanni Battista Sammartini (Milán, c. 1700-Milán, 1775) fue un compositor, intérprete de oboe, organista, maestro de coro y profesor de música italiano. Contó a Gluck entre sus estudiantes y fue muy admirado por jóvenes compositores como Johann Christian Bach. Se ha señalado que algunas características del estilo de Joseph Haydn son similares a las de Sammartini, aunque Haydn negó tal influencia.Sammartini está especialmente asociado a la formación de la sinfonía a través del cambio realizado a partir de la obertura de ópera, la introducción de una nueva seriedad y el uso del desarrollo temático que anuncia a Haydn y Mozart. Algunas de sus obras son descritas com "galantes", un estilo asociado con los ideales de la Ilustración. La impresión predominante dejada por la obra de Sammartini es que contribuyó grandemente al desarrollo de un estilo clásico que alcanzó su momento de mayor claridad precisamente cuando su larga y activa vida llegaba a su final.

Sammartini es apreciado sobre todo por sus innovaciones en el desarrollo de la sinfonía, quizá más que las escuelas de Mannheim y Viena. Su aproximación a la composición sinfónica es único ya que acusa la influencia de la sonata en trío y de las formas de concierto, en contraste con otros compositores coetáneos que escribían sinfonías a partir de la obertura italiana. Sus sinfonías están conducidas por el ritmo y una forma más clara, especialmente la de la primitiva sonata y las formas binarias de rondó. Sus obras nunca dejan de ser inventivas y a veces anticipan la dirección que va a tomar la música clásica tal como el estilo del Sturm und Drang.

Sammartini fue un compositor prolífico y su obra incluye 4 óperas, unas 70 sinfonías, 10 conciertos y algunas de las obras de cámara más tempranas conocidas en la historia de la música occidental. Hacia 2004 se habían recobrado aproximadamente 450 obras de Sammartini, aunque una gran cantidad de su música se ha perdido, especialmente obras de temática sacra y dramática. Algunas pueden haberse perdido al haber sido publicadas bajo otros nombres, especialmente el de su hermano Giuseppe.

Vamos a escuchar la Sinfonía en la mayor, J-C 65, en la versión de Roberto Gini dirigiendo a la Orquesta de Cámara Milano Classica en una grabación de 2008.

Sinfonía nº 39 en mi bemol mayor, K. 543. Wolfgang Amadeus Mozart

La Sinfonía n.º 39 en mi bemol mayor, K. 543, es una de las últimas sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart. Mozart finalizó su composición el 26 de junio de 1788 en un verano en el que compondría también sus dos últimas sinfonías: la n.º 40 (25 de julio), y la n.º 41 (10 de agosto).
Como ya se ha comentado, la Sinfonía n.º 39 es la primera de un conjunto formado por las tres últimas sinfonías de Mozart, que compuso muy rápidamente a lo largo del verano de 1788. En la misma época, Mozart estaba escribiendo sus tríos para piano en las tonalidades de mi y do, su sonata fácil y una sonatina para violines. El biógrafo de Mozart, Alfred Einstein, ha sugerido que Mozart tuvo como modelo la Sinfonía n.º 26 de Michael Haydn, escrita en la misma tonalidad.
Como también pasa con la Sinfonía n.º 40 y la n.º 41, no existe ninguna prueba documental sólida que confirme que la Sinfonía n.º 39 se estrenó en vida de Mozart. Aun así, como señala Zaslaw (1983), las evidencias circunstanciales parecen indicar que podría ser que sí. En 1791, en Viena, hubo un concierto con música de Mozart, y la orquesta incluía a los hermanos clarinetistas Johann y Anton Stadler y, como Zaslaw señala, esta distribución limita las posibilidades sólo a la Sinfonía n.º 39 y a la n.º 40.

Sus movimientos son:

I. Adagio - Allegro.

El primer movimiento empieza con una introducción majestuosa (Adagio) con unas fanfarrias a cargo de la sección del metal. A continuación viene un Allegro en forma sonata, con algunos contrastes muy marcados de intensidad, muy en el estilo galante que forma parte de sus primeras sinfonías. La independencia de la sección de viento, la gran interacción de las partes en general, y el hecho de que el segundo tema en aquellas sinfonías tempranas era, parafraseando a Alfred Einstein, "siempre completamente trivial" -que no es el caso de la n.º 39-, se combina con el segundo grupo que contiene unos cuantos temas, incluyendo un "tema que camina", especialmente adecuado. Estos son sólo algunos de los puntos que distinguen este movimiento de aquellas obras de juventud, con las que tiene más diferencias que similitudes.

II. Andante con moto.

El movimiento lento, en la forma sonata abreviada, es decir, sin la sección del desarrollo, empieza silenciosamente en la sección de cuerda y se expande al resto de la orquesta. Caracteriza a este movimiento el material principal y las transiciones bastante agitadas y enérgicas. La comparación con la quinta sinfonía de Franz Schubert sugiere que podría haber tenido esta sinfonía de Mozart como referente.

III. Menuetto: Trío.

El minueto y el trío son muy interesantes. El trío es una danza folclórica austríaca denominada "landler" y presenta un solo de clarinete. El Menuetto es enérgico es incitado por el carácter del trío con el segundo clarinete que toca arpegios en su registro grave, el de chalumeau.

IV. Allegro.

El movimiento final también sigue la forma sonata; el tema principal del cual, como en el último Quinteto de cuerda en re, es básicamente una escala, ascendiendo y descendiendo. La sección del desarrollo es dramática; no hay ninguna coda, pero tanto la exposición, como el desarrollo en la parte final de la recapitulación, son repetitivos.

Escuchamos la versión de la Orquesta de Cámara de Europa dirigida por Nikolaus Harnoncourt en 1992.

Sinfonía nº 1 en si bemol menor. William Walton

La Sinfonía n.º 1 en Si bemol menor del compositor inglés William Walton fue encargada por Hamilton Harty, y completada en 1935. La primera interpretación completa de la sinfonía tuvo lugar de la mano de Harty y la Orquesta Sinfónica de la BBC el 6 de noviembre del mismo año, si bien en diciembre de 1934 ya había sido estrenada de la mano de Harty y la Orquesta Sinfónica de Londres en sus tres primeros movimientos, mientras Walton componía el cuarto y último movimiento.
La obra consta de cuatro movimientos:

1. Allegro assai
2. Scherzo: Presto con malizia
3. Andante con malinconia
4. Maestoso – Allegro, brioso ed ardentemente – Vivacissimo – Maestoso

Está compuesta para una orquesta sinfónica, y en concreto: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, 2 timbales, 2 percusionistas y cuerda.

La sinfonía tuvo una génesis inusual: Walton estaba viviendo una problemática relación con Imma von Doernberg, quien finalmente le abandonó por el médico húngaro Tibor Csato. Las turbulentas emociones y la energía de alto voltaje de la sinfonía fueron el fruto de los sucesos que rodearon su concepción, con un elocuente y dramático primer movimiento, un picante y malicioso Scherzo y un profundamente melancólico movimiento lento. Pero el final es totalmente diferente visto en perspectiva, siendo casi elgariano en su aspecto ceremonial, sin olvidar las claras referencias a Paul Hindemith. Este contraste se explica por el hecho de que Walton inició una nueva relación con Alice Wimborne, que le proporcionó el ímpetu musical y la inspiración para el último movimiento, si bien la sinfonía en su conjunto seguía estando dedicada a Imma von Doernberg.
En términos musicales, esta es una de las obras cumbre de la composición inglesa, y representa a su vez la cumbre de la labor sinfónica de Walton. Los dos compositores más populares en la Inglaterra de los años 30 eran Beethoven y Sibelius. Walton compone inteligentemente en ambos registros: el primer movimiento está compuesto en una beethoveniana forma de sonata, y los procedimientos de desarrollo derivan claramente de Beethoven. Pero alrededor de esta columna vertebral, el movimiento está plagado de pequeños motivos cercanos al estilo de Sibelius (como, por ejemplo, la llamada inicial de la trompa), caminando ambos aspectos juntos a lo largo del movimiento. El rigor temático y rompedor poder emocional de este primer movimiento y de la sinfonía al completo pueden ser atribuidos a este método único de construcción musical.

Escuchamos el primer movimiento de la sinfonía en la versión de Andrew Litton  dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Bournemouth en 1996.

Concierto para violín y orquesta en mi menor, opus 64. Felix Mendelssohn

El Concierto para violín en mi menor, Op. 64 es la última gran obra orquestal del compositor alemán Felix Mendelssohn. Forma una importante parte del repertorio de violín y es uno de los conciertos para ese instrumento más populares y más interpretados de todos los tiempos. Una interpretación estándar tiene una duración de casi media hora.

La obra es uno de los primeros conciertos para violín del Romanticismo e influyó en las obras de varios compositores. A pesar de que el concierto consta de tres movimientos en la estructura típica rápido-lento-rápido y cada movimiento sigue la forma tradicional, la obra era innovadora e incluía características nuevas para la época. Como aspectos distintivos se destacan la entrada inmediata del violín al comienzo y el enlace entre movimientos sin solución de continuidad.

Tras su nombramiento en 1835 como director principal de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Mendelssohn eligió a su amigo de la infancia Ferdinand David como concertino de la orquesta. Los orígenes de la obra proceden de la colaboración entre ambos.
El concierto tardó seis años en completarse. El estreno tuvo lugar en la Gewandhaus de Leipzig el 13 de marzo de 1845, interpretado por David y con la Orquesta de la Gewandhaus bajo la batuta del compositor danés Niels Gade, ya que Mendelssohn, se encontraba demasiado débil. Sin embargo, el 23 de octubre del mismo año se volvió a interpretar el concierto con un gran éxito, dirigido esta vez por el propio Mendelssohn e interpretada de nuevo por David.

El concierto es innovador en varios aspectos. En el primer movimiento, Mendelssohn se distancia de la forma típica del concierto clásico de muchas maneras, como la entrada del solista casi desde el principio, que también ocurre en su Primer concierto para piano.Aunque el primer movimiento está en su mayoría escrito en forma sonata, Mendelssohn pone la interpretación del primer tema a cargo del violín solista y luego por la orquesta. Los conciertos clásicos solían empezar con una introducción orquestal seguidos de una versión de casi el mismo material junto con el solista.
La cadenza es también novedosa al ser escrita como parte íntegra del concierto, y al localizarse antes de la recapitulación. Era habitual en un concierto clásico que la cadenza fuera improvisada por el solista y solía ocurrir al final del movimiento, tras la recapitulación y justo antes de la coda final.
Este concierto para violín sobresale respecto anteriores conciertos por la conexión entre los movimientos. No hay pausa entre el primero y segundo movimientos, con una nota del fagot mantenida entre los dos. El pasaje que hace de puente entre los dos últimos movimientos empieza justo después del final del movimiento lento. La melodía es similar a la del principio, para recalcar la forma cíclica de la obra. El enlace fue diseñado para eliminar los aplausos entre movimientos. Esto supondría una sorpresa para la audiencia de Mendelssohn, que a diferencia de la actualidad solía aplaudir entre movimientos.
El concierto además llama la atención por los largos periodos en los que el solista realiza un mero acompañamiento para la orquesta, como por ejemplo en los arpegios rebotados al principio de la recapitulación. Esto también fue muy novedoso para un concierto para violín de esa época.

Escuchamos la versión de Isaac Stern con Orquesta de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy en una grabación de 1958.